Ma démarche artistique part du réel, mais ne cherche pas à le reproduire.
Un paysage, un arbre, une architecture, un ciel, une fleur ou parfois un détail presque anodin attire mon regard. Une lumière, une forme, une couleur ou une composition retient mon attention. La photographie devient alors le point de départ d’un processus de transformation. La galerie Villes et architecture permet notamment de suivre la transformation des lignes et des perspectives urbaines.
Transformer le réel pour regarder autrement
Avec mes Planètes Imaginaires, je cherche à déplacer les repères. À faire apparaître, à partir de ce qui existe, un monde différent. Un monde qui conserve la mémoire du réel tout en ouvrant la porte à l’imaginaire.
Certaines de mes créations restent figuratives. D’autres s’éloignent progressivement de leur origine jusqu’à frôler l’abstraction. C’est précisément cet espace intermédiaire qui m’intéresse : celui où l’on reconnaît quelque chose sans toujours pouvoir dire immédiatement ce que l’on regarde. Ma sélection de photographies d’art abstraites propose de parcourir cette frontière entre sujet reconnaissable et formes à interpréter.
Mon intention artistique
À travers mon travail, je cherche d’abord à surprendre et à émerveiller.
Transformer un paysage, un arbre, une architecture ou un fragment du quotidien permet parfois de révéler ce que l’habitude nous empêche de voir. Le familier devient étrange. Un lieu connu se transforme en territoire imaginaire. Une photographie peut alors ouvrir un espace où chacun construit sa propre lecture.
J’aime également que mes images puissent questionner le regard.
Que voit-on réellement ? Où s’arrête la photographie et où commence la transformation ? Est-on encore devant un paysage ou déjà face à une abstraction ?
Cette hésitation m’intéresse. Elle invite à ne pas seulement reconnaître une image, mais à prendre le temps de l’explorer.
La beauté comme intention
Je revendique aussi une place pour la beauté, la poésie et la légèreté.
Dans un monde saturé d’images, souvent traversé par l’urgence et l’inquiétude, j’aime l’idée que mes créations puissent offrir une respiration. Qu’elles puissent provoquer un étonnement, une émotion, un sourire ou simplement le plaisir de regarder.
Cette recherche du beau n’exclut ni le questionnement ni l’étrangeté. Elle constitue au contraire l’un des chemins que j’emprunte pour déplacer notre perception du réel.
Créer une Planète Imaginaire, c’est finalement partir de ce qui existe pour tenter d’en faire surgir quelque chose d’inattendu : un monde à la fois familier et impossible, capable de surprendre, de questionner et, peut-être, d’émerveiller.
Le réel comme point de départ de ma démarche artistique
Même lorsque l’image finale semble irréelle ou presque abstraite, son origine reste photographique.
Je pars toujours d’une prise de vue. Il y a donc, derrière chaque création, un lieu rencontré, une lumière particulière, une saison, un instant ou parfois simplement un détail qui a attiré mon attention.
Ce lien avec le réel est important pour moi.
Il donne à chaque Planète une histoire, même lorsque celle-ci n’est plus immédiatement perceptible dans l’image finale.
Je ne photographie cependant pas toujours avec une idée précise du résultat. Il m’arrive de reconnaître immédiatement le potentiel d’une scène. Mais certaines photographies peuvent rester longtemps dans mes archives avant de révéler une possibilité de transformation.
Une image prise presque par hasard peut ainsi devenir, plusieurs mois plus tard, le point de départ d’une nouvelle création.
Transformer plutôt que reproduire
Une fois la photographie réalisée, commence une autre étape.
L’image devient progressivement une matière de création.
Je transforme les perspectives. Je courbe les lignes. Je rapproche ou éloigne certains éléments. J’explore les rythmes, les couleurs, les équilibres et les tensions qui apparaissent au cours du travail.
Je ne cherche pas simplement à appliquer un procédé.
Chaque photographie réagit différemment à la transformation. Certaines directions fonctionnent, d’autres non. Il faut essayer, revenir en arrière, recommencer, abandonner parfois une piste pour en découvrir une autre.
Peu à peu, l’image originale cesse d’être uniquement descriptive.
Un paysage n’est plus seulement un paysage. Une architecture peut devenir une forme. Un arbre peut se transformer en structure graphique. Un ciel peut devenir matière.
C’est à ce moment que la photographie commence, pour moi, à ouvrir un autre espace.
Le cercle comme langage photographique
La forme circulaire occupe naturellement une place centrale dans mon travail.
À l’origine, elle est liée à la photographie panoramique et aux transformations qui ont donné naissance à mes premières Planètes Imaginaires.
Mais au fil des années, le cercle est devenu bien davantage qu’un procédé.
Il est devenu un langage plastique.
Le cercle bouleverse notre manière habituelle de regarder un paysage. L’horizon disparaît ou se replie sur lui-même. Le haut et le bas deviennent relatifs. Le regard est attiré vers un centre, puis repart vers l’extérieur.
Cette forme peut évoquer une planète, mais également un œil, une cellule, une orbite, un organisme ou simplement un espace autonome.
Je ne cherche pas à imposer une interprétation.
J’aime au contraire laisser cette forme ouverte à l’imaginaire de celui qui la regarde.
Chaque Planète crée ainsi son propre équilibre, son propre espace et parfois même ses propres lois.
Entre figuration et abstraction
Cette frontière entre le réel et l’abstraction est devenue progressivement l’un des territoires les plus stimulants de ma recherche.
Certaines créations permettent encore d’identifier immédiatement leur origine. Un arbre, une montagne, une ville ou une architecture demeure présent.
Dans d’autres images, le sujet initial s’efface davantage.
Les lignes, les matières, les couleurs et les rythmes prennent alors le dessus. L’image commence à exister indépendamment du lieu qui lui a donné naissance.
Une question revient régulièrement dans mon travail : jusqu’où puis-je transformer le réel sans en effacer complètement la mémoire ?
Je n’ai pas envie d’y apporter une réponse définitive.
C’est justement cette tension qui m’intéresse : le moment où l’œil croit reconnaître quelque chose, puis doute ; où la photographie semble basculer vers l’abstraction tout en conservant une trace de ce qui était là.
Le hasard et l’expérimentation
Ma démarche laisse aussi une place importante au hasard.
Je peux commencer une création avec une idée très précise et découvrir, en cours de travail, une forme ou une composition que je n’avais absolument pas anticipée.
Ces accidents visuels m’intéressent. Ils obligent à abandonner parfois l’idée de départ pour suivre ce que l’image propose.
Certaines créations apparaissent rapidement. D’autres nécessitent de nombreuses tentatives. Il arrive aussi qu’un travail reste inachevé pendant plusieurs semaines ou plusieurs mois avant que je ressente l’envie de le reprendre.
Je considère ces hésitations, ces essais et ces détours comme faisant pleinement partie du processus de création.
L’image finale n’est donc pas toujours l’exécution d’une idée préexistante.
Elle est souvent le résultat d’un dialogue entre ce que j’imaginais et ce que je découvre en travaillant.
Une pratique en mouvement
Les Planètes Imaginaires restent au cœur de mon univers, mais je n’ai jamais souhaité en faire une formule figée.
Au fil du temps, cette recherche m’a conduit vers le noir et blanc, vers des images de plus en plus abstraites, vers les Planètes Cristallines, mais aussi vers le relief et la réalité augmentée.
Ces explorations répondent toutes à une même envie : continuer à interroger la transformation de l’image et sa manière d’occuper l’espace.
Avec le relief, l’œuvre quitte en partie le plan de la photographie pour acquérir une présence physique.
Avec la réalité augmentée, elle peut au contraire se prolonger dans un espace virtuel, se mettre en mouvement et proposer une expérience immersive différente de l’image fixe.
D’autres procédés de tirage ou de présentation m’offrent encore de nouveaux territoires à explorer.
Je ne considère pas ces recherches comme des ruptures avec les Planètes Imaginaires. Elles en sont plutôt des prolongements.
Le langage évolue, mais l’interrogation reste la même : que peut encore devenir une photographie lorsque l’on accepte de dépasser ce qu’elle représente ?
Inviter à regarder autrement
Je souhaite enfin laisser une place importante au spectateur.
Une œuvre ne m’appartient plus complètement lorsqu’elle est regardée.
Chacun peut y voir quelque chose de différent, reconnaître une forme que je n’avais pas imaginée, inventer une histoire ou simplement se laisser porter par une couleur, une composition ou une sensation.
Cette liberté d’interprétation est importante pour moi.
Je préfère ouvrir des portes plutôt que donner toutes les réponses.
Mes Planètes Imaginaires sont ainsi des invitations à ralentir le regard, à s’écarter quelques instants de ce que l’on connaît et à accepter de ne pas tout identifier immédiatement.
Regarder autrement. Se laisser surprendre. Questionner ce que l’on voit. Et garder une place pour le beau, l’imaginaire et l’émerveillement.
C’est dans cet espace que je souhaite continuer à faire évoluer mon travail.
→ Découvrir les Planètes Imaginaires
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Une question sur cette démarche ou un projet à partager ? Écrivons-nous pour en discuter. Pour découvrir les différentes approches nées de ces recherches, parcourez mes séries photographiques.
Quelques repères sur ma démarche artistique en photographie
De la prise de vue à la création : comment se construit mon image ?
Ma démarche artistique en photographie commence avant le travail sur l’ordinateur. Photographier, c’est déjà choisir un point de vue, un cadrage et un instant. Un même lieu change selon la lumière, les ombres ou la place depuis laquelle on le regarde. Je m’attache à ces différences : une ligne dans un paysage, un rythme dans une architecture, la présence d’un arbre ou le contraste entre le ciel et le sol peuvent devenir les éléments d’une composition.
La photographie panoramique m’offre un terrain d’exploration particulier. Elle permet de réunir un espace plus large que celui d’une vue isolée. Lorsque je transforme ensuite cette perspective en composition circulaire, l’horizon se déplace et les rapports entre les éléments changent. Le centre de l’image, sa périphérie et les lignes qui les relient deviennent des repères visuels. Mes Planètes Imaginaires naissent de ce dialogue entre le lieu photographié et une nouvelle organisation de l’espace.
Le traitement numérique fait partie de cette pratique photographique. La postproduction prolonge la prise de vue : je travaille les formes, les couleurs et les équilibres jusqu’à sentir qu’une image trouve sa cohérence. Un effet spectaculaire ne suffit pas à mes yeux. Je cherche une photo d’art qui puisse retenir le regard au-delà de la première surprise, avec une composition dans laquelle on ait envie de revenir. Être photographe d’art signifie pour moi poursuivre cette recherche personnelle, de la rencontre avec un sujet jusqu’à l’image que je choisis de montrer.
Mon expérience de photographe professionnel dans la photographie de presse et le reportage m’a appris à observer le monde réel. Aujourd’hui, mon travail personnel me permet d’explorer plus librement ce que je fais de cette observation. Je peux laisser une image mûrir, reprendre sa composition ou suivre une intuition sans devoir illustrer un événement. Ce parcours nourrit ma sensibilité photographique ; j’en présente les étapes sur la page À propos de Paul Marnef.
Dans Étrange Chemin, le ciel, le gazon et la présence de l’arbre composent un espace circulaire dont les repères se déplacent. On reconnaît des éléments du monde réel, mais leurs rapports ne sont plus ceux d’un paysage habituel. Cette œuvre permet de voir ce que je cherche en transformant la perspective : conserver une mémoire du lieu tout en laissant apparaître un monde autonome. Mes archives photographiques restent une réserve de possibilités pour poursuivre ces expériences, parfois longtemps après la prise de vue.
Entre figuration et abstraction, quelle photographie artistique proposer ?
La photographie représente quelque chose qui s’est trouvé devant mon appareil, mais la création finale peut s’éloigner de cette apparence initiale. C’est dans ce passage que je situe mon travail d’auteur-photographe. Je garde une trace du paysage ou du sujet photographié tout en explorant une autre lecture. Une photographie figurative conserve des éléments reconnaissables ; dans une image plus abstraite, les rapports de couleurs, les textures et les formes prennent davantage de place.
Avec L’Arbre Solitaire Revisité, je repars d’une première création que je trouve à la fois épurée et puissante. Cet arbre isolé m’évoque Le Petit Prince d’Antoine de Saint-Exupéry, un livre de chevet pour moi. Je souhaite garder cette présence familière tout en ouvrant une autre voie par la couleur. Mon intérêt pour le pop art, ses couleurs vives et saturées, notamment le jaune utilisé par Andy Warhol, nourrit cette exploration. Je transforme les couleurs, j’essaie différentes versions, puis une combinaison inattendue retient mon attention.
Le hasard m’offre alors une piste, mais il ne décide pas seul de l’image finale. Je reprends cette version et je poursuis le travail de création jusqu’au résultat que je choisis de montrer. Cette photographie artistique raconte ainsi une recherche : une intuition, des essais, une découverte et le temps nécessaire pour lui donner une forme aboutie. La composition circulaire et les anneaux de couleurs pastel laissent l’arbre reconnaissable, tout en l’éloignant d’une simple représentation du paysage.
Cristal Colza permet de découvrir une autre limite entre photographie et abstraction. Le végétal y apparaît sous forme de fragments, de polygones jaunes et verts, dans une composition qui évoque une mosaïque. L’image ne se lit plus seulement comme un sujet à identifier : les couleurs, les surfaces et la géométrie deviennent elles-mêmes ce que l’on regarde. Ces deux œuvres photographiques montrent comment un même attachement à la nature peut prendre des formes très différentes dans ma pratique artistique.
Ma recherche rejoint la photographie plasticienne par la place donnée à la transformation. L’image photographique devient une matière : je peux en déplacer les lignes, en modifier les couleurs et en recomposer l’espace. La peinture et le graphisme offrent des correspondances, sans effacer la prise de vue qui demeure à l’origine de l’œuvre. Cette rencontre entre photographie contemporaine et arts plastiques m’intéresse précisément parce qu’elle permet de créer des images qui gardent un lien avec le monde tout en proposant une expérience visuelle différente. Dans l’art contemporain, les artistes photographes explorent des voies très diverses. Ma place dans cet ensemble se construit à partir de mes propres prises de vue, de mes transformations et des questions que je laisse ouvertes, plutôt que par la recherche d’un style à reproduire.
Une photo artistique ne se résume donc pas, pour moi, à la netteté d’un sujet ou à la fidélité de ses couleurs. Ces qualités techniques peuvent servir une intention, mais elles ne la remplacent pas. Je m’intéresse aussi à la profondeur, aux zones d’ombre, aux surfaces lumineuses et à la façon dont une forme répond à une autre. Le noir et blanc rend particulièrement sensibles ces rapports de valeurs. En couleur, une dominante ou un contraste peuvent donner un autre mouvement à la composition. Ce sont des choix de langage photographique, au service de ce que l’image peut faire ressentir.
Je peux aussi regarder mes créations comme un ensemble. D’une image à l’autre, la circularité, le dialogue entre nature et architecture ou le passage du réel à l’imaginaire constituent des fils conducteurs. Une série photographique permet de les explorer sans répéter la même composition. Mes photos artistiques peuvent ainsi partager un langage tout en gardant chacune leur rythme, leur lumière et leur histoire. Cette cohérence visuelle se construit dans la durée, au fil des prises de vue et des expérimentations.
La photographie couleur et le noir et blanc m’offrent également des lectures différentes. La couleur peut attirer vers un détail, relier deux zones ou faire émerger une atmosphère. Le noir et blanc invite à observer autrement les valeurs, les contrastes et la structure de l’image. Ces choix artistiques accompagnent la composition et l’émotion que je souhaite laisser ouvertes au spectateur. Pour parcourir ces recherches, découvrez mes photographies d’art abstraites et les Planètes Cristallines.
Du fichier au tirage, comment l’œuvre rencontre-t-elle le spectateur ?
Mes photos d’art ne se découvrent pas de la même manière sur un écran et devant des tirages photographiques. Les dimensions, le support et la lumière du lieu modifient leur présence. Dans ma démarche artistique en photographie, le passage à l’œuvre exposée prolonge donc la création. Les détails peuvent devenir plus perceptibles en grand format ; un petit tirage invite à s’approcher et à regarder plus intimement.
Le papier photo et le papier fine art ne donnent pas tous la même présence à une image imprimée. La surface, le rendu des encres et les contrastes participent à la perception des détails et des couleurs. Les impressions photographiques font ainsi intervenir une matière que l’écran ne restitue pas. Une présentation sur alu Dibond ou un encadrement modifient encore la manière dont l’œuvre occupe le mur. Je cherche une présentation cohérente avec l’image, son atmosphère et l’espace qu’elle occupera. Une caisse américaine, lorsqu’elle accompagne le tirage, ajoute une limite autour de la composition ; ce rapport entre l’image, le cadre et le mur compte aussi dans la présentation. Pour mes tirages originaux, la question des finitions prolonge donc celle de la composition : comment donner à cette image la présence qui lui convient ? Les possibilités concrètes sont détaillées sur la page des formats et présentations des Planètes Imaginaires.
Le relief et la réalité augmentée ouvrent d’autres prolongements à mon art photographique. Avec le relief, la création acquiert une dimension physique supplémentaire. Avec la réalité augmentée, certaines œuvres se prolongent par une animation visible à l’aide d’un smartphone. Le rapport entre image fixe, mouvement et espace devient alors un nouveau terrain d’expérimentation. Ces recherches s’inscrivent dans la continuité de mes photographies, avec la même envie de déplacer les repères.
Le spectateur garde une place essentielle dans cet art de la photographie. Une reproduction à l’écran donne un premier accès à l’image ; devant l’œuvre photographique, le rapport au format, aux détails et à la matière change. Je souhaite que chacun puisse prendre ce temps de découverte, qu’il soit amateur de photographie, collectionneur ou simple visiteur. Je ne demande pas que l’on connaisse une technique ou l’histoire de la photographie pour entrer dans mes images. Une émotion, une association avec un souvenir ou le plaisir d’une forme peuvent suffire à commencer la rencontre.
Dans les galeries d’art et lors des expositions, mes photographies artistiques quittent leur contexte de création pour entrer dans celui des visiteurs. Les échanges autour des œuvres originales prolongent ma recherche : une personne reconnaît un paysage, une autre y voit une figure ou une matière. Ces lectures ne sont pas un mode d’emploi à suivre. Elles me rappellent que l’œuvre d’art reste ouverte, même lorsque mon travail sur l’image est terminé. Les rencontres avec le public, les amateurs d’art et les collectionneurs occupent ainsi une place à part dans mon parcours de photographe. Présenter mes œuvres d’art permet de confronter mes intentions à des sensibilités différentes, sans chercher à expliquer à chacun ce qu’il devrait voir.
La diffusion en tirage limité accompagne cette présence matérielle. Chaque photographie proposée en édition limitée est signée, numérotée et accompagnée d’un certificat d’authenticité. La numérotation identifie l’exemplaire dans cette série limitée. Le tirage original devient un objet que l’on peut regarder à différentes distances, selon l’éclairage et l’espace où il est présenté. Le choix d’un tirage d’art engage une relation durable avec une image, au-delà du moment où elle apparaît sur un écran. Les informations sur les tirages photographiques en édition limitée précisent cette présentation. Pour me rencontrer et découvrir les œuvres exposées, retrouvez mes expositions de photographie d’art.